Hana Kozuka. Fotografie de Richie Babitsky. „Nimeni nu știe ce înseamnă„ contemporan ”,„ modern ”sau„ jazz ”.” Ai mai auzit asta? Acest scriitor are. Poate chiar a spus-o chiar ea de câteva ori. Poate fi o exagerare, dar rămâne faptul că mulți artiști și profesori de dans amestecă astfel de forme și creează în ele ceva nou. Pierdem integritatea și claritatea tehnicilor clasice, codificate, ca urmare - și, prin urmare, o astfel de amestecare trebuie făcută cu grijă și rezervare? Pe de altă parte, această combinație de forme deschide spațiu pentru o colaborare fructuoasă - și, prin urmare, trebuie încurajată? Pentru cei cărora le pasă de înflorirea artei dansului în viitor, precum și de păstrarea tradiției sale, acestea par a fi chestiuni care nu trebuie luate cu ușurință.
Pentru a intra în aceste întrebări, Dance Informaspoke cu patru artiști de dans: Hana Kozuka, dansatoare / coregrafă din Los Angeles, Bettina Mahoney, director fondator al Fortitude Dance Productions și educatoarea de dans Tracie Stanfield, directorul fondator al Synthesis Dance din NYC și Taylor McLean Bosch, director artistic al Nitrogen: The Company și educatorul de dans din New York / Long Island. Să sărim direct!
Taylor McLean Bosch.
sport și dans
De ce această varietate de stiluri? Există un impact mai mare în lumea dansului ca urmare?
Stanfield consideră că „fuziunea de stiluri (sub stiluri) este, într-un fel, o reflectare sau un răspuns la lumea în care trăim. Societatea noastră, mai mult ca oricând, apreciază individualitatea, personalizarea și autonomia. Artiștii nu sunt constrânși de „reguli” sau metodologia trecutului. ” Gândul lui McLean Bosch aici este similar. „Toată lumea încearcă să-și găsească vocea”, crede ea. Kozuka remarcă faptul că această proliferare de stiluri aduce „atât de multe lucruri de fuzionat împreună”.
Pe de altă parte, Stanfield descrie modul în care putem vedea această tendință ca un alt val de proliferare a stilului / tehnicii care s-a întâmplat odată cu creșterea tehnicilor și repertoriului Graham, Horton și Limón - dar cu „o diferență principală fiind că nu există un oficial, definitiv sistemul fundamental pentru fiecare sub stil sau tehnică depinde numai de valorile și preferințele coregrafului / profesorilor. ” În plus, această proliferare are loc în zilele noastre în „stradă, jazz și stiluri de balet ”, spune Stanfield. De exemplu, a existat o înflorire de clase în sub-stiluri precum „jazz contemporan”, „fuziune contemporană”, „stradă contemporană”, „balet contemporan” și „jazz liric”.
Hana Kozuka. Fotografie de Peter Yesley.
Cu toate acestea, unii profesori se identifică și se promovează nu printr-un stil convențional pe care îl predau, ci prin propriul stil de mișcare / calitate și marcă. La rândul lor, elevii se pot uita mai degrabă la nume și mărci ale profesorilor decât la stiluri atunci când decid ce clase să urmeze - așa cum atestă Kozuka este norma ei. „Este greu să pui o etichetă lucrurilor în zilele noastre!” ea spune. Ea indică rețelele de socializare ca un motor al acestei tendințe de a-și construi propria marcă. În calitate de profesor, McLean Bosch crede că are un stil și o estetică unice, totuși va spune că este un profesor „contemporan” dacă asta este ceea ce caută angajatorii.
Există o tensiune între modul de branding al artistului și cel al afacerilor bazate pe dans, cu toate acestea, Mahoney descrie cum trebuie să numească anumite clase de profesori pentru convențiile sale, chiar dacă nu le place ca stilul lor să fie „clasificat”. „Am o afacere și trebuie să fac reclamă”, afirmă ea. Validând acest punct, McLean Bosch subliniază convențiile care pierd afacerea din faptul că nu oferă clase „contemporane”. În același timp, concursurile au clasificat piesele ei ca „moderne” - când crede că opera ei este mai „contemporană” decât „modernă”.
E o problema? Este un lucru bun? Sunt amândouă? Ce este important să rețineți, în ceea ce privește abordările în pedagogie, coregrafie, branding?
biografia doreen lioy
Mahoney se îngrijorează atunci când vine vorba de studenții de dans care au o bază de tehnică codificată sau nu „nu poți ieși din„ carte ”dacă nu ai cartea în primul rând”, afirmă ea. O parte din această insuflare importantă a stilurilor de dans convenționale tinerilor studenți este predând istoria dansului - de unde aceste forme provin din contextul istoric general. „Atunci studenții pot ști că contemporanul a ieșit din postmodern și postmodern din modern, de exemplu”, afirmă Mahoney. În măsura în care o vede, respectul și stăpânirea unor astfel de forme - și moștenirea lor istorică - creează coregrafie, performanță, pedagogie și multe altele. După cum spune vechea zicală, trebuie să cunoașteți „regulile” înainte de a le putea „încălca”.
Bettina Mahoney.
Kozuka și McLean Bosch văd în cele din urmă această tendință de amestecare și proliferare a stilurilor ca fiind un lucru bun, ceva care le poate permite artiștilor să-și găsească cele mai adevărate voci creative și să facă lucrări minunate. Kozuka crede că, mai degrabă decât să simțim că ar trebui să punem lucrurile în „cutii”, este în puterea noastră să creăm noi cutii. „Dacă [noile stiluri] rezistă testului timpului, atunci vor rămâne - sau nu vor”, crede ea. „Doar se va întâmpla - vor apărea noi stiluri, iar genurile mai vechi vor deveni vechi”, afirmă McLean Bosch.
Stanfield validează găsirea propriului stil de mișcare „chiar și nici o regulă nu este o regulă”. Ea aplaudă spațiul pentru creativitate și libertate și subliniază faptul că inovația aduce întotdeauna frică de schimbare (cum ar fi „bâjbâitul din [ubititatea] telefoanelor mobile.”). În cele din urmă, Mahoney crede că artiștii de dans își aduc propria istorie a mișcărilor, din calitățile unice ale profesorilor și coregrafilor cu care au studiat și pentru care au dansat. Kozuka subliniază, de asemenea, acest punct. Întruchiparea și transmiterea, moștenirea stilistică și tehnică ar părea să fie ceva de încurajat - întrucât câmpul de dans a devenit ceea ce este.
înapoi la dans
Tracie Stanfield predând la Broadway Dance Center.
Cum profită lumea dansului de această tendință?
Stanfield subliniază provocarea pentru dansatori pe care toate acestea o pot crea - trebuie antrenează-te în „toate stilurile”. „Când totul este important, în cele din urmă nimic nu este important”. ea crede. Astfel, vor părea necesare conversații mai profunde despre ceea ce este fezabil și accesibil pentru dansatori. În ceea ce privește tensiunile dintre artiștii de predare a dansului și proprietarii de afaceri, precum cei descriși de McLean Bosch și Mahoney, poate că un asemenea dialog suplimentar ar putea ajuta și acolo. Ambele părți își pot exprima nevoile și dorințele, iar găsirea unui teren comun ar putea aduce un consens reciproc agreabil.
În ceea ce privește preocupările lui Mahoney cu privire la artiștii de dans, pornind de la o bază de tehnici codificate - stăpânirea tehnică și cunoștințe contextuale profunde ale acestora - educatorii de dans își pot încadra curricula în jurul instilării acestei fundații în primul rând studenților lor, apoi îndrumându-i să se îndrepte spre ceva mai propriu. Pentru Kozuka, navigarea în această dinamică a identității stilistice revine fiecărui artist să abordeze cu cea mai bună judecată, integritate maximă și autenticitate personală deplină. Acest lucru se va înmulți în exterior pentru a crea o lume a dansului care face același lucru.
Stanfield consideră că „dansatorii sunt atrași de o muncă care rezonează cu ei ... gravităm către experiențele și stilurile care ne hrănesc și ne provoacă”. Etichetele nu sunt neapărat la fel de semnificative pentru noi ca și pentru alte tipuri de oameni și putem aduce gândire flexibilă în diferite situații. Cu o bună judecată, integritate, autenticitate și o gândire flexibilă, putem naviga în dinamici dificile - chiar și cele la fel de complicate ca identitatea stilistică, marca personală a artistului de dans, tradiția versus individualitate și altele asemenea. Să o facem!
De Kathryn Boland din Dansul informează.
recomandat pentru tine
