Recenzii | Aprilie 2024

Alvin Ailey American Dance Theatre din Jamar Roberts 'A Jam Session For Troubling Times'. Fotografie prin amabilitatea lui Emily Kikta Peter Walker.

2-31 decembrie 2020.
Accesibil prin www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

De peste 60 de ani, teatrul american de dans Alvin Ailey a prezentat arta dansului care ridică, inspiră, educă și provoacă gândirea - de la etapa proscenium la studioul de dans până la setările comunitare. Aceasta este o parte importantă a motivului pentru care mii de iubitori de dans și artă s-au întors la ceea ce compania oferă mereu - prin vremuri de război și pace, lipsă și abundență, discordie și armonie.

Având în vedere pandemia COVID, ceea ce poate prezenta compania arată diferit în acest an - izbitor, de asemenea, 60^aan aniversar al capodoperelor lui Alvin Ailey Revelații. Cu toate acestea, este, fără îndoială, nu mai puțin semnificativ și nu mai puțin special. Nimic nu poate înlocui spectacolul live, ci ceea ce a oferit compania primul sezon virtual (ceva istoric în sine) avea propriile sale inovații creative și moduri în care compania vorbește cu propria voce.

Aceste inovații au fost deosebit de prezente în cele două lucrări originale prezentate în acest sezon - Jamar Roberts A Jam Session for Troubled Times și Testament de către directorul artistic asociat Matthew Rushing (în colaborare cu membrul companiei și asistentul directorului de repetiții Clifton Brown și fostul membru al companiei Yusha-Marie Sorzano). Alte programe din sezon au sărbătorit 60 de ani de Revelații , a investigat modul în care dansul și justiția socială se intersectează, au oferit conținut pentru toate vârstele pentru întreaga familie și au sărbătorit doi membri ai companiei care s-au retras anul acesta.

Renaldo Maurice de Ailey, Courtney Celeste Spears și Chalvar Montiero filmează „A Jam Session for Troubling Times” a lui Jamar Roberts. Fotografie prin amabilitatea lui Emily Kikta și Peter Walker.

Lui Roberts A Jam Session for Troubled Times a început cu frumoase fotografii aeriene din New York. În voce, un domn a împărtășit povești despre viața unui muzician de jazz din oraș. Imagini de muzicieni pe un acoperiș împreună s-au îmbinat cu cele ale dansatorilor lui Alvin Ailey în fața Ailey Studios (semnalizarea „ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATRE” le-a localizat în mod clar). Dansatorii - deși au rămas îndepărtați fizic - au avut câteva momente de entuziasm la a se vedea reciproc și apoi s-au mutat rapid în mișcare. Această alegere a fost umanizantă și reconfortantă, în special în această perioadă de deconectare fizică.

Mișcarea a fost, cu riscul de a reduce ceva atât de stratificat și bogat, o întruchipare a muzicii jazz: improvizarea unui element rudimentar, riffing unul pe altul, energiile dansatorului hrănindu-se reciproc. Mișcarea unison a devenit predominantă mai târziu în piesă, dar unicitatea improvizațională a corpului fiecărui dansator și semnătura mișcării a rămas.

Modurile în care mișcarea sa schimbat și a evoluat pe parcursul piesei a fost, de asemenea, fascinantă, precum și satisfăcătoare din punct de vedere estetic. A început, în cea mai mare parte, foarte unghiular și extrem de gestual dans de jazz în sine. (Și o mare parte a vocabularului este influențată de dansul jazzului - izolat și paralel, de exemplu). O calitate mai curbiliniară și fluidă a venit mai târziu, cu tobe de bongo luând o linie de melodie. Dansatorii au continuat să întruchipeze muzica prin abordări noi care tangibilizează muzica în corp nu este un concept nou, dar această lucrare a oferit-o în moduri pe care nu le-am mai văzut până acum.

Cinematografia și iluminatul piesei și-au păstrat, de asemenea, experiența vizuală dinamică. Camera ne-a adus în prim-planuri mai târziu în lucrare și, în timp ce dansatorii s-au mutat pe o alee, o lumină galbenă i-a luminat. Cu acea nouă iluminare, o nuanță proaspătă a venit peste pielea și costumele lor - ceva cu care dansul pe film oferă posibilități infinite.

De asemenea, îmbunătățirea experienței lucrării a fost autenticitatea și umanitatea dansatorilor. Exista o calitate modestă și foarte umană a modului în care se mișcau împreună, la fel de uimitor de virtuozici ca și ei. Personalitatea fiecărui dansator a primit un moment în centrul atenției, ceva distractiv și bucuros de văzut. Îmbrăcămintea pietonală, în conformitate cu atmosfera clasică a clubului de jazz, a întărit acest sentiment. Cadrele de final s-au descurcat la fel de bine, cu dansatorii aplaudând, canelându-se împreună și fiecare primind câteva momente cu o fotografie solo și cu un nume. Titlul operei în sine este în acel ton și spirit: direct, clar și accesibil. Lucrarea este exact ceea ce titlul ne spune că este.

baletul sophie flack

Într-un chat post-performanță, Roberts și directorul artistic Robert Battle au discutat despre inspirația și contextul lucrării. Roberts a recunoscut timpul în care ne aflăm și contrastul dintre acest lucru și starea de spirit a piesei. El consideră că este asemănător cu lucrurile pe care le facem pentru a ne menține spiritul ridicat și a ne conecta cu ceilalți în moduri sigure - mergând la plimbări cu bicicleta și la parc, de exemplu. Putem să ne blocăm în vremuri tulburi, găsind împreună bucurie și creativitate. Discuția a exemplificat înțelegerea mai profundă în jurul lucrărilor pe care astfel de discuții cu coregrafii le pot aduce.

Testament , coregrafiată de directorul artistic asociat Matthew Rushing în colaborare cu Clifton Brown și Yusha-Marie Sorzano, a fost o piesă pentru a comemora, onora și vedea dintr-o nouă lentilă lucrarea seminală a lui Ailey Revelații în 60^aan aniversar . Ca Revelații , opera centrează o poveste despre „transformarea durerii în putere” și ciclul „plângerii spre speranță”, a spus - într-o discuție post-performanță cu cei trei coregrafi. Cei trei - „Testamentul în echipă”, așa cum au împărtășit cu bucurie în chatul post-performanță - au discutat și despre modul în care poveștile împărtășite și „dovada tangibilă” sunt idei centrale care au modelat lucrarea.

Alvin Ailey American Dance Theatre în „Testament” de Matthew Rushing, Clifton Brown și Yusha-Marie Sorzano la Wave Hill PGCC. Fotografie de Travis Magee.

Piesa a început cu oamenii care se mișcau împreună și, cu o suflare de o singură femeie, a strălucit o lumânare. Cu flacăra care a dispărut câteva momente mai târziu, au existat imagini ale durerii și subgării negre - cele care au fost intense de experimentat. A urmat prima secțiune de ansamblu, cu dansatori pe o scenă goală într-o formație strânsă și liniară. Era un peisaj sonor de apă și vânt, de o furtună pe mare. Grinzi de lumină străluceau în interior, iluminând o scenă altfel întunecată. Scorul a cântat „De ce sunt aici? / Ce este locul asta? / Ce am făcut pentru a ajunge aici? ” M-am gândit imediat la Pasajul Mijlociu, dintre Africa și America - unde, probabil, a început totul.

Mișcarea a avut o acoperire și o disperare, dar alteori o teamă și retragere în sine. Momentele de liniște și expresiile goale au semnalat o lipsă de speranță și resemnare față de soarta actuală. Unul dintre cele mai puternice vocabulare de mișcare a fost mișcarea lentă la unison, o simplă ridicare a unui picior deasupra șoldului în timp ce așezat pe lateral.

Următoarea secțiune a prezentat doi dansatori, fiecare în lumina reflectoarelor. A existat un virtuosism la nivel înalt în coturi adânci, extensii înalte și viraje puternice. Totuși, ceea ce s-a simțit cel mai semnificativ a fost ceea ce nu era acolo - lipsa legăturii dintre ei și lipsa deplasării din spațiile iluminate de reflectoarele lor. Tonurile electronice simple ale partiturii au sporit această senzație a ceea ce lipsea. S-au deplasat înainte și înapoi, semnalând acțiune, totuși nu au reușit să rupă barierele și să se conecteze între ei. Asta a fost până la un punct notabil, când, pentru prima dată, s-au uitat unul la celălalt - un moment care și-a luat timpul și a rezonat.

Imaginile despre opresiunea oamenilor negri au apărut din nou pe ecran și au urmat celei de rezistență împotriva acelei opresiuni: a MLK Jr., semnele de protest și stând împreună împotriva tacticii de intimidare. După aceasta a fost o secțiune agitată de dansatori care se deplasau împreună cu puterea, convingerea și scopul - literalmente mergând înainte împreună. Unghiurile în mișcare transmiteau forță, în timp ce curbele ilustrau adaptabilitatea și complexitatea. „Sunt aici / sunt demn” a cântat cântecul - și totul despre prezența dansatorilor a spus acel adevăr.

Următoarea secțiune a fost un solo pentru a agita cu adevărat inima - o femeie care dansează în puterea ei, dar cu agitație și necazuri în trup și suflet. Discursul din partitura a vorbit despre neliniște emoțională și singurătate în acel loc neliniștit. Aceste cuvinte mi-au amintit că, pe măsură ce vorbim și dansăm despre eliberare, sănătatea mintală nu este un aspect de uitat.

Dansatori s-au înconjurat în jurul ei, ca în sprijin și protecție, iar vorbirea s-a transformat în aceea a fi în puterea ei și a păși înainte în claritatea convingerilor ei. Pe ecran erau intermitente fotografii ale unor lideri și vizionari negri - de la Frederick Douglass la Harriet Tubman la Rosa Parks la Malcolm X la James Baldwin. În cele din urmă, i-am văzut pe Michelle și Barack Obama, precum și pe vicepreședintele ales, Kamala Harris. Inima mea nu a putut să nu sară.

Imaginea sa mutat în aer liber, cu un grup mare dansând, din nou. Mișcarea de această dată a fost mai blândă, mai ușoară și mai veselă decât în acea primă secțiune de ansamblu. Era ca și cum nu ar mai fi trebuit să împingă și să lupte și să demonstreze că pot doar fi . Gesturile s-au topit în gesturi noi, coloana vertebrală ondulată și energie radiată din centrul lor dincolo de kinesferele lor.

Totuși, ceea ce este incert a rămas. Dansatoarea principală a văzut o altă femeie într-un batic și s-a îndreptat spre ea, în timp ce ceilalți dansatori au continuat să se miște - a revenit la fotografia inițială. M-am gândit la modul în care greutatea istoriei nu poate fi complet vărsată - ceea ce s-a pierdut și ceea ce ar fi putut fi, nu va fi niciodată recuperat pe deplin. Pe de altă parte, moștenirea și forța celor care au venit înainte este ceva care rămâne și la noi.

averea netă vicki barbolak

În vremuri tulburi, amintirile unor astfel de adevăruri - prin intermediul artei - pot însemna mai mult ca niciodată. Aceste lucrări au simțit că au fost modelate în aceste vremuri și au oferit, de asemenea, ceva esențial pentru cei care trăiesc în aceste vremuri de aceste vremuri și pentru aceste vremuri. Interesant este că arta și pentru un anumit timp poate fi aceea care rezonează de-a lungul veacurilor. Cred că aceste lucrări și sezonul mai larg în care au fost prezentate vor fi amintite pentru ceea ce au oferit, când le-au oferit - un lucru special și lăudabil.

De Kathryn Boland din Dansul informează.