Amy Foley „În așteptare”. Fotografie de Mickey West Photography. Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25 ianuarie 2020.
Concept - poate diferenția arta de dans de mișcare, o poate face relevantă și o poate face cu adevărat „acasă” cu membrii publicului. Compania de dans Onstage din Malden, cu sediul în MA, o casă primitoare pentru profesioniști ocupați care doresc să danseze în continuare în zilele lor de studio și de colegiu, prezintă întotdeauna spectacole bine făcute și distractive. Cu toate acestea, în spectacolul companiei din sezonul 18, prezența unor concepte deosebit de accentuate și memorabile mi-a ieșit la iveală. Mi-a amintit cât de puternic poate fi cu adevărat un concept inventiv sau semnificativ, mutat cu dăruire și grijă.
Prima piesă, Michelle Block’s Cu susul în jos , a început această tendință de concepte sofisticate, plăcute. Dansatorii au început în siluetă, luminați din spate, în două rânduri. Luminile au apărut pentru a dezvălui mult mai multe rochii de culoare, verde și violet, cu o paletă de culori de iluminat care să se potrivească.
Block a solicitat să aibă aceste două grupuri de culori în moduri interesante din punct de vedere estetic, cum ar fi parteneriatul unui dansator care poartă o culoare și un alt dansator care poartă cealaltă, împletind și alternând dansatori care poartă cele două culori și le împart pe părțile laterale ale scenei. Acesta a fost un concept nenumit, dar clar vizibil în cadrul lucrării. Un altul a fost numit de fapt, în titlu dansatorii s-au inversat fizic pe ei înșiși și reciproc în parteneriat. Ambele concepte au jucat în mod convingător dualitatea - în sus sau în jos, o culoare sau alta.
În timp ce aceste binare erau clare, ceea ce mi-a stârnit interesul au fost și spațiile și momentele în care am văzut nuanțe de gri între cele două capete ale spectrului - la jumătatea drumului cu capul în jos, corpul paralel cu podeaua sau când culorile au fost amestecate în interior un grup. Dansatorii au executat totul cu angajament și comandă tehnică. Vizual și mental, erau atât de multe de mestecat. În afară de aceasta, a fost doar plăcut să iau parte.
Teresa Fardella Pierdut pe mare a venit apoi. A adus o senzație diferită - mai întunecată, mai misterioasă, mai reflectantă. O piesă de pian cu voci atrăgătoare a început să insufle această atmosferă, iar rochiile alb-murdare - oferind senzația unei stări goale - au construit-o în continuare. Iluminarea a fost redusă, dar a devenit mai strălucitoare pe măsură ce piesa avansa. În mod similar, mișcarea s-a accelerat puțin și a devenit mai ușoară în energie pe măsură ce piesa continua. Salturi mici și salturi mai mari au adăugat o senzație de zbor acestei creșteri de energie.
O altă evoluție a fost dansatorii care intrau în rochii negre - aducând un contrast de două grupuri separate, așa cum a făcut piesa lui Block. În această piesă, această alegere a servit pentru a consolida sentimentul de căutare, căutarea unui opus, pentru ceva în afara celor cunoscute. Adăugarea la aceasta a fost frecventă trecerea la alte niveluri în spațiu și locuri în spațiu (spațiul scenic care este). Din felul în care se legau dansatorii - încercuind, ascunzându-se, venind spre, dar apoi cu siguranță departe - m-am gândit la acest „pierdut pe mare” ca la o separare de adevărata conexiune umană, pierdută în marea turbulentă a vieții.
Ar fi nevoie de claritate și intenție în mișcare pentru ca mișcarea să stimuleze o astfel de interpretare și artiștii interpreți. Un stil baletic / liric a adăugat o grație și formalism care a atenuat marginea tuturor acestor lucruri. În final, dansatorii au făcut o pauză și au părut, pentru prima dată, să se vadă cu adevărat. Au fost găsite? Aceasta ar fi ca membrii publicului să decidă singuri. Acesta este un lucru minunat pentru care arta poate deține spațiu.
de ce David Muir nu este căsătorit
Încheierea actului a fost cea a lui Jennifer Kuhnberg Înger lângă aripi . Fiecare parte a acestuia a promovat conceptul de îngeri călăuzitori în viața noastră. Pentru început, scena a fost iluminată pentru a crea un efect de siluetă. Liniile de haine drapate cu haine albe au creat imaginea aripilor de înger, iar dansatorii au format un tablou chiar dedesubt. Lumini au apărut pentru a-i dezvălui pe dansatorii complet aprinși, în costume care curgeau grațios și albe. Iluminarea a creat umbre cu senzație eterică. Pe măsură ce piesa a progresat, un sentiment de armonie a devenit clar - chiar și prin diferite formațiuni și moduri de dansatori care se relaționează între ei (în tun, la unison, în propria lor mișcare).
Parteneriatul, într-o calitate contemporană atenuată și lansată, a adus un sentiment de sprijin. Dansatorii s-au rostogolit peste șoldul unui partener pentru a ateriza în lunges adânci, împământate sau pentru a-și schimba impulsul într-o cotitură. Pe scenă se desfășura o mare parte a activității, dar totul era foarte organizat vizual - pentru a fi accesibil, convingător și plăcut. Aceste calități au continuat până la capăt - dansatorii creând un tablou de niveluri și forme variate, o formă de aripă luminată în spatele lor. Cu siguranță a existat ceva străin și maiestuos în toate acestea, ceva care m-a făcut să mă simt mai liniștită și mai liniștită doar din experiența mea.
Willow Gertz’s Trandafirul final a deschis actul al doilea. Imaginile curvilinee s-au conectat înapoi la flori, iar o schemă de culori roșu / roz a făcut totul mai clar. Mișcarea puternică, cu o grație clară, a imitat frumusețea unui trandafir, care are totuși elemente de spini de protecție, cum ar fi motivul unui braț care înconjoară, a adus blândețea, iar formațiunile geometrice puternice au adus forța. Dansatorii s-au conectat în formă de lanț, șerpuind pe scenă, dar apoi s-au mutat într-o diagonală. Au ținut mâinile la spate, mergând într-o calitate legată, până când s-au mutat într-o calitate topitoare. Dansatorii au adus aceste calități în mod clar și convingător. Acest contrast de forță și moliciune, emblematic pentru un trandafir - în vocabularul mișcării, calitatea mișcărilor și formațiunile - a adus la viață un concept fascinant și o pepită pur și simplu plăcută a artei dansului.
Mai târziu, în act a venit o altă lucrare de la Kuhnberg, Jocul supraviețuirii . O atmosferă sălbatică și toată vâlvătoarea periculoasă din ea, a fost clară și interesantă chiar de la începutul piesei. Dansatorii au format linii și apoi au dansat în ele, bețe mari adăugând un element de împământare, precum și o ancoră auditivă (au lovit recuzita pe scenă la unison, atrăgând atenția și contribuind la atmosferă). Sălbăticia era clară în lumina verde și galbenă, tăieturi zimțate de costume în culori similare și mișcare accidentată.
Versurile „jocul supraviețuirii” au sunat prin teatru și totul a venit împreună pentru mine. Diferite grupuri dintre ele s-au mișcat în moduri, făcându-mă să mă întreb cine era vânătorul și cine era prada - încercuind, aruncându-se, scufundând deasupra și dedesubt. Vocabularul de mișcare al lui Kuhnberg a devenit la fel de îndrăzneț și tenace ca și sălbăticia pe care o înfățișa pe dansatori alunecați pe un șold, se rostogolea peste umerii altor dansatori și sărea peste alți dansatori întinși pe scenă.
Finalul m-a capturat cel mai mult, oricum dansatorii au lovit bastoanele la unison perfect și luminile s-au stins - un apel ispititor să mă întreb ce ar putea urma, dincolo de limitele piesei din lumea imaginară pe care ea o construise și pur și simplu o adevărată atrage în simțuri. Construirea inteligentă a unui concept printr-o operă de artă de dans poate avea un astfel de efect și Onstage Dance Company a oferit-o laudă acolo în spectacolul său din sezonul 18.
De Kathryn Boland din Dansul informează.
recomandat pentru tine
