Kimberly Marie Olivier și Sean Bennett în „Înotătorul” lui Yuri Possokhov. Fotografie de Erik Tomasson. 4-24 martie 2021.
Accesibil prin www.sfballet.org/sf-ballet-home .
Aproape toți artiștii de dans au experiența unui dans într-adevăr devenind ceea ce este în „săptămâna tehnologică” - când luminile, proiecțiile, costumele și muzica care rezonează printr-un spațiu de performanță fac cu adevărat o lucrare să prindă viață. Alegerile culorii și formei pot spori sensul și experiența vizionării unei opere sau pot aduce distragere și confuzie. O estetică a unei lucrări de dans poate crea o atmosferă care atrage membrii publicului sau pur și simplu discordantă. Balet San Francisco Programul digital 03, în programul său virtual SF Ballet @ Home, a ilustrat puterea și importanța creării unei estetici și a unei atmosfere clare. Programul a inclus două spectacole pre-COVID, filmate la Opera War Memorial din San Francisco și o premieră de film.
Alexei Ratmansky’s Simfonia # 9 , pe care San Francisco Ballet a dansat-o prima dată în aprilie 2014, a deschis programul. Virtuozitatea și dinamismul au umplut aerul de la prima notă și pas. Un scor instrumental robust (de Dmitri Șostakovici) a propulsat salturi, extensii și viraje rapide. Totul a fost destul de neoclasic, dar pentru înfloririle gestuale jazzy - emblematic pentru o deschidere „post-postmodernă” la inspirația din alte forme de dans. Fundalul albastru decolorat (de la George Tsypin) și costumele catifelate, în nuanțe aparent inspirate de culorile dintr-o pădure (de la Keso Dekker), au legat o înfășurare modernă în jurul prezentului mișcării neoclasice. În sens balanchian, chiar și atunci când dinamica socială a apărut, nu a existat nicio narațiune în joc, cu excepția unirii muzicii și a mișcării.
San Francisco Ballet în „Simfonia # 9” a lui Alexei Ratmansky. Fotografie de Erik Tomasson.
O schimbare drastică a tempo-ului, cu ceva mult mai adagioasă și mai misterioasă, a adus o mișcare mai întemeiată, mai degrabă exploratoare decât zgomotoasă. Un pas de deux din această secțiune a avut ascensiuni complexe, dar și momente de simplă întoarcere, cu un port de sutien clar și o pauză grea. Membrii corpului au pătruns prin aripi, port de bras amintind de înotul prin aer - pe care l-au mutat în passés înainte ca partenerii lor să li se alăture pentru un lift.
La fel ca turnul simplu și portul de susținere al pas de deux precedent, a fost un motiv clar - unul care a construit un sentiment de continuitate și circularitate. S-ar putea să nu fi existat o „narațiune”, în sine, la îndemână, totuși membrii publicului în general s-ar putea identifica cu un sentiment de deplasare cu calm și cumpătare aparent - totuși rămânând în același loc încă o dată, în timp ce un aer de ceva nu tocmai corect a rămas. Imaginația noastră ar putea crea propriile noastre narațiuni în cadrul acestor structuri. Aceasta poate fi partea distractivă și semnificativă.
O jumătate de drum au apărut luminile care se stingeau și doi dansatori (o balerină și un danseur) s-au topit încet la pământ până când s-au întins pe spate. Un fundal de siluete de oameni care țineau steaguri roșii era vizibil pe măsură ce luminile reveneau. Nu am înțeles pe deplin această alegere creativă și am preferat posibilitățile deschise ale fundalului albastru decolorat văzut înainte în piesă.
Lacey Schwimmer s-a căsătorit
Întrucât oamenii din desene păreau să se potrivească modelului de oameni „respectabili, bine-înfăptați” din societate, poate că a fost un comentariu privind conformitatea și trăirea unei vieți care vi s-a prescris. Simțul de a reveni în același loc s-ar alinia la tema respectivă. Poate fi, de asemenea, amuzant pentru imaginația noastră să conjecturăm posibilități în alegeri creative pe care nu le înțelegem prea bine! Cu toate acestea, mișcarea a rămas efervescentă și palpitantă, cu performanțe excelente ale artiștilor de top din San Francisco Ballet.
Energia a crescut spre final, aducând înapoi motive cu un tempo mai rapid, adăugând în același timp ingrediente noi în mix. Pe măsură ce luminile s-au stins, corpul a sărit pe scenă și o singură dansatoare a rămas pe scena centrală (Wei Wang) - sărind în sus și rotind repede. Ca o alegere foarte interesantă, aceasta părea să concentreze atenția asupra experienței individuale. Acest sfârșit ar putea fi interpretat ca o afirmație că la asta se rezumă - modul în care experimentăm fiecare lumea în mod individual. În absența unor analize mai profunde, totul a fost plăcut de experimentat.
San Francisco Ballet în „Wooden Dimes”. Fotografie oferită de San Francisco Ballet.
Wood Dimes a fost programul premiera mondială a filmului . Christopher Dennis a fost producător executiv, Lindsay Gauthier în calitate de editor și Heath Orchard în calitate de director de fotografie.
Distribuția într-un anumit moment nu părea foarte mare, așa că este de conceput ca dansatorii să fi filmat demascat în „păstăi” (așa cum au făcut filmul și televiziunea de câteva luni). Deschizându-se cu showgirl-uri în vestiarul lor, avea un aspect clar și convingător Atmosfera anilor 1920 . Emoția și camaraderia au umplut aerul. A intrat un om (Luke Ingham), ducând într-un pas de deux pasionat și grațios cu una dintre balerine (Sarah Van Patten), care devenea un personaj central.
părinții gemeni Merrell
Mișcarea a fost în mare parte clasică, dar inflexiunile jazzy au adus un omagiu contextului de față. Următoarea scenă a reprezentat personajul lui Ingham aparent la lucru, bătând și exclamând cu trupul său. Bărbați în scuturi de contabili se înconjurau în jurul lui, ca și când ar fi făcut porunca lui - sau îi cereau lucruri? Schimbând perspective de acolo, showgirl-urile au jucat cu bucurie. Personajul lui Van Patten s-a diferențiat cu dungi negre pe rochia ei albă, în timp ce toți ceilalți dansatori purtau totul alb (costum de Emma Kingsbury). Toate scenele păreau să fi fost filmate pe scena unui mare teatru, liniile dintre piesele Marley vizibile. Această alegere a adus o senzație spartană care a susținut lucrarea generală (designul proprietăților scenice de Alexander V. Nichols, proiectarea iluminatului de Jim French și Matthew Stoupe).
Personajul lui Van Patten a dansat cu o pereche misterioasă (Madison Keesler și Nathaniel Ramirez). A urmat un pas de deux de la dansatori în roșu și negru, cu o iluminare mai scăzută și scorul devenind mai scăzut și mai clar în ton. Această pereche părea să fie tentantă cu primul om pe care l-am întâlnit, primul cu care dansase personajul nostru principal, cu ceva sinistru. L-au tras de el și i-au manipulat corpul. Liniile dintre imaginație și realitate păreau complet estompate. O estetică coezivă, asociată cu coregrafii inteligente, a făcut această narațiune clară, dar și flexibilă deschisă interpretării. Eroina noastră a dansat din nou în continuare, rochia ei de data aceasta cu dungi colorate. Părea veselă, chiar dacă gânditoare. Ceva se schimbase!
A dansat cu respirație și expansiune, un arabesc ținut doar cu o jumătate de respirație mai lung, având potențialul de a emoționa și a revigora. Încă o dată purtând o rochie cu multe modele (schimbarea în care părea să semnifice tranziția), personajul lui Ingham s-a întors. Ei s-au împletit, au împărțit greutatea - a fost această răscumpărare? Au dansat împreună din nou cu pasiune și grație, la fel ca înainte, dar o nouă rezonanță a umplut aerul dintre ei. Provocările legate de legăturile dintre noi pot da acestor legături noi vibrații, pentru bine sau pentru rău.
Totul a tăcut spre sfârșit și tot ce se auzea era sunetul respirației eroinei. Luminile au dispărut încet. Multe finaluri ale lucrărilor de dans se simt grăbite, fără ca restul ponderii emoționale a ceea ce tocmai s-a întâmplat să aibă timp să zăbovească. Nu este așa cu acest final. În concordanță cu acea senzație de film din vechime, „Sfârșitul” a clipit pe ecran. Acest reziduu a rămas în mine, împreună cu multe întrebări - cu arta, adesea mai semnificativă decât să ai răspunsuri.
Joseph Walsh în „Înotătorul” lui Yuri Possokhov. Fotografie de Erik Tomasson.
soția john leguizamo
Înotător , în premieră pe scena War Memorial Opera Stage în aprilie 2015, a fost o explorare vizuală cu Busby Berkeley-esque imagini suprarealiste. Yuri Possokhov a coregrafiat opera. Designul scenic a fost de la Alexander V. Nichols și designul video de la Kate Duhamel. De la 9-5 zile lucrătoare până la recreere la piscină, mișcarea a transmis că se gândește la birou, înoată liber și flirtează lângă piscină.
Proiecții mișcătoare se învârteau în spatele dansatorilor - ceva văzut mult mai des în dansul contemporan decât în balet. A fost o bomboană vizuală satisfăcătoare, dar o bomboană cu o aromă neașteptată pe care nu o puteți așeza cu adevărat. „Înotătorul” (Joseph Walsh), între timp, întruchipa libera mișcare prin apă și aer. Avea un balon și o muzicalitate minunate, ajungând cu energie călătorind cu mult peste extremitățile sale, dar și cu un centru de energie clar și puternic.
Dincolo de el, înfloriri pentru caracterizare și pentru a transmite acțiuni specifice în corp au însuflețit o bază clară și solidă de mișcare clasică. O secțiune pas de deux, aparent într-un context de întâlnire pentru băuturi la un bar, s-a simțit puțin deplasată din punct de vedere structural, dar a fost frumos coregrafiată și dansată. Tensiunea și pasiunea erau clare prin dinamica push / pull și expansivitatea în mișcare.
O secțiune ulterioară a lucrării, cu un corp mare de danseuri, avea multiple posibilități de semnificație - turbulența îmbătrânirii, o furtună (în cadrul temei nautice mai mari la îndemână în lucrare) sau altceva? Oricare ar fi semnificația, ascensiunile atletice și salturile puternice au fost exaltante. „Înotătorul” și-a ținut brațele peste piept, ca și când ar fi tremurat - totuși, în curând, a dansat din nou, mare și îndrăzneț. Efecte uimitoare de iluminare l-au făcut să pară înotând adânc, juxtapunând proiecții ale unui om care înota printre valuri aprige.
Cortina a căzut pe măsură ce a continuat - cu siguranță un final deschis! Ne-am putea imagina diferite posibilități pentru ceea ce s-ar putea întâmpla în continuare, dar ceea ce s-a simțit mai semnificativ cu această lucrare a fost posibilitatea vizuală și puterea pură în corpul uman. În timp ce aspectele lucrării nu erau clare, ceea ce a oferit a fost un festin pur pentru ochi și potențialele narative pe care creierul le poate mesteca. Uneori, experimentarea îndrăzneață poate costa costul clarității în realizarea artei. Arta nu poate avansa fără această experimentare îndrăzneață, așa să fie, spune acest recenzor. Brava la San Francisco Ballet pentru a risca și a reaminti publicului câtă posibilitate creativă există - pandemie globală sau nu.
De Kathryn Boland din Dansul informează.
recomandat pentru tine
