Teatrul de dans KAIROS în „OBIECT.”. Fotografie de Golden Lion Photography. Boston Center for the Arts, Boston, MA.
17 noiembrie 2019.
Multiplicitatea din KAIROS Dance Theatre’s OBIECT. începe cât mai devreme posibil, cu titlul său lucrarea centrată pe femeile tratate ca obiecte (substantivul), totuși titlul este pronunțat ca verb („obiectez”). Un mesaj puternic este implicat într-un cuvânt cu majusculă și într-o perioadă - „Mă opun din toată inima la obiectivarea femeilor”. O astfel de complexitate elegantă, prezentată în mod accesibil, a caracterizat lucrarea de la început până la sfârșit. Ne-a luat prin timp, atmosfere diferite și experiențe interne separate ale femeilor. Programul nu s-a împiedicat de lucrurile dificile de ilustrat sau de experimentat - totuși, rezultatul a fost potențialul de a genera un fel de emoție profundă care este necesară pentru a determina schimbarea.
Lucrarea s-a deschis cu întreaga companie - șase dansatori - într-o formație curată. Purtau sutiene albe și lenjerie de fund pufoasă, reflectând hainele femeilor de pe vremuri. Pe deasupra erau tutu-uri pufoase în albastru deschis și roz, trei în roz și trei în albastru (costume concepute de directorul artistic și coregrafa Deanna Pellechia, cu asistența lui Carlos Vilamil și I.J. Chan). Important pentru munca viitoare, purtau tocuri înalte de sticlă transparentă. Au început să danseze, oarecum „drăguți” în stil. Au executat mișcări robotice care reflectă calități asemănătoare păpușilor, rigide și controlate. Nu și-au scăpat niciodată zâmbetele mari, dulci și fermecătoare. Parteneriatul într-un idiom de balet clasic a făcut referire la rolurile tradiționale de gen și la tradiție mai larg. Cu partitura cântând melodia clasică „sărută-l și îmbrățișează-l, arată-i că îți pasă .... și vei fi al lui”, totul se potrivește. Acestea erau femei prinse într-o așteptare patriarhală de frumusețe și existente pentru aprobarea și plăcerea bărbaților. Această secțiune a fost un precedent important pentru locul în care ar merge lucrarea.
Capezio se întoarce
De asemenea, intrigantă a fost utilizarea muzicii cu versuri care este un pic „n-nu” nescris în dansul contemporan, sau cel puțin ceva de făcut cu moderare și cu extremă prudență. Cu toate acestea, în multe secțiuni ale lucrării, Pellechia a făcut ca mișcarea contemporană și muzica cu versuri să funcționeze împreună cu un efect semnificativ și puternic. Dansatorii au executat acea mișcare cu o muzicalitate sofisticată, trecând la muzică cu și fără versuri. (Scorul sonor proiectat de Kristin Wagner, de asemenea director de repetiții.) Imediat după prima secțiune a fost un alt element notabil al lucrării generale - proiecția pe o zonă mică și colțul superior al fundalului, restul s-a întunecat (proiectarea iluminatului de Lynda Rieman ).
Prima dintre aceste imagini proiectate a fost un anunț pentru o mașină de mimeograf, o secretară de birou oh atât de mulțumită de performanța sa și oh atât de conformă cu cerințele șefului ei de sex masculin. Culoarea alb-negru, precum și stilul ei de vorbire și de îmbrăcăminte, au plasat-o în anii 1950 sau începutul anilor 1960 (ceea ce mulți numesc acum Era „Nebunilor”, referindu-se la drama de succes HBO). Nivelul de supunere față de șeful ei de sex masculin și atitudinea ei generală au fost cel mai probabil neliniștitor pentru cei mai mulți membri ai publicului modern. Totuși, la fel ca în multe alte secțiuni și elemente ale spectacolului, ceva despre acest lucru a afirmat că nu am ajuns atât de departe cu egalitatea de gen pe cât am putea crede uneori. Acest anunț a sugerat, de asemenea, rolul capitalismului în obiectivarea femeilor.
O secțiune următoare a arătat o întuneric sub acele zâmbete mari și tutusuri pufoase. Dansatorii purtau „măști de zâmbet” înfricoșătoare - măști cu zâmbete mari care-și acopereau gura, legate în siguranță și inamovibile (curelele înconjurate în spatele capului). Pellechia a cercetat cum femeile cu probleme de sănătate mintală, sau pur și simplu privite ca beligerante și „supărătoare”, au fost făcute să poarte aceste măști (lucruri reale din secolul al XX-lea). Iluminarea întunecată a întărit această schimbare a atmosferei și a dispoziției către ceva mai sinistru.
O parte din mine ar putea simți visceral sentimentul literal și metaforic al constricției pe care o astfel de amețeală l-ar putea aduce (simțindu-și vocea tăcută și într-un impediment fizic foarte literal pentru o respirație completă și sănătoasă). Mișcarea reflectă, de asemenea, acel sentiment constrâns - tensionat, vesel și neliniștit. Era aproape ca și cum o forță exterioară i-ar fi mișcat, mai degrabă decât să se miște din propria voință.
În secțiunile ulterioare, a apărut un alt element notabil - modul în care femeile în sine perpetuează acel sentiment de constricție prin privirea lor una asupra celeilalte. Un trio avea alți doi dansatori care stăteau la marginea scenei, în fața celor care dansau. Mai târziu, Wagner a dansat un solo memorabil de mișcare angajată, pricepută din punct de vedere tehnic și nuanțată. Un spațiu emoțional complex, furtunos, precum și un sentiment de a nu fi în măsură să mulțumească (și cu siguranță nu din lipsă de încercări), părea clar.
În această secțiune, chiar mai mulți dansatori au înfruntat-o de la marginea scenei, privind cu atenție. Aproape că am auzit cuvintele crude pe care le pot apela femeile, inclusiv acuzații de prudență sau promiscuitate (din nou, acel sentiment de a nu fi în măsură să vă rog), răsunând prin capul meu. Cu toate acestea, m-am gândit, de asemenea, că aceasta ar putea fi o mărturie, o recunoaștere a luptei unei semene - sau poate chiar unele dintre ambele? Aceasta poate fi complexitatea modului în care femeile interacționează între ele, pe care aceste alegeri creative le-au cercetat și descris în mod convingător.
În cadrul acestor secțiuni, Pellechia a folosit în mod eficient motive de mișcare, oferindu-le membrilor audienței piese de bază pe care ar putea să le prindă (o analogie: comedienți stand-up / comedieni care apelează la glume anterioare în setul lor). Un efect secundar al acestei abordări, printr-un sentiment de continuitate, a fost întărirea mesajului potrivit căruia lucrurile nu s-au schimbat atât de mult cât ne-ar plăcea uneori să credem că au. Această mișcare a fost polifacetică, atrăgătoare și puternic teatrală. Wagner i-a oferit pe mulți dintre ei în memorabilul ei solo - deschizând picioarele larg și apoi lipindu-le la loc, îndoindu-se și aducându-și coatele în timp ce mâinile i se ridicau, apucându-și coada de cal și (înfiorător) ridicându-și propriul cap mai sus.
Mai devreme, înainte de pauză, Pellechia a dansat un alt solo memorabil, memorabil pentru unicitatea sa în cadrul operei - mișcare având mai multă ușurință și continuitate decât o mare parte a mișcării din alte părți. În timp ce cobora pe podea, o ridicare energică i-a tras încă vârful capului. „De ce nu pot fi convențională?”, A cântat partitura în timp ce dansa. Am găsit aceste cuvinte interesante împreună cu acea unicitate a mișcării ei în cadrul operei.
Spre sfârșit a venit o secțiune a dansatorilor care purtau un călcâi: pășind inegal și - impresionant - lovind, aruncând, apoi rotindu-se la o formă de „x” pe sol. Acel pas inegal a creat un element auditiv convingător. La un nivel mai larg, secțiunea a subliniat sentimentul neuniform, dezechilibrat, pe care îl pot simți femeile prin navigarea în atâtea linii fine de adecvare și așteptare (revenind la acel sentiment de a nu fi capabil să-l înțelegem niciodată).
După aceea, a fost o secțiune care părea capabilă să distrugă intestinul femeilor (sau bărbaților empatici) din audiență, mai presus de toate, mai mult decât orice până în acel moment, pe vocea vocală a (acum) președintelui Donald Trump în acel autobuz Access Hollywood. a sunat prin teatru. În timp ce se mișcă, încă tensionați și neliniștiți, dansatorii pun mâinile pe stomac - ca și cum ar fi bolnavi. La acele cuvinte de neuitat, rostite cu ani în urmă (dar care încă sună prin cultura noastră în atât de multe feluri), m-am simțit și eu rău.
Apoi a apărut vocea unei femei care discuta despre obiectivarea cauzând un prejudiciu semnificativ mintii și corpului femeilor. Dansatorii au început să-și arunce tocurile de sticlă, aruncându-le din nou și din nou cu furie. Mai mulți pantofi au venit pe scenă și i-au aruncat și pe aceia. Într-un alt semn al naturii stratificate și nuanțate a acestui spectacol, papucul de sticlă legat de povestea Cenusaresei. Povestea culturală din care derivă îndrăgitul film Disney provine din China, unde venerarea picioarelor mici a dus la legarea torturoasă a picioarelor pentru mii și mii de femei tinere de-a lungul multor secole.
Coperta programului a inclus un citat de la Maureen Johnson despre „obiectarea” față de „obiectivarea” femeilor (înapoi la minunatul sens dublu din titlu). Astfel, tocurile au devenit un simbol al obiectivării și respingerea tocurilor - cu forță - a devenit un simbol al respingerii obiectivării. În timp ce aruncau cu tocurile de sticlă, membrii publicului au înveselit. Simbolismul acesta părea clar pentru mulți care au participat în acea noapte, chiar dacă subconștient.
Apoi a venit un final nu la fel de clar, dar și aparent copt cu potențialul de semnificație nuanțată. Un dansator a mers pe patru picioare în timp ce alți dansatori au încărcat-o pe spate cu acei papuci de sticlă: cu grijă, încet, unul câte unul. Sarcina pe spatele ei a crescut și a crescut. M-am nedumerit că se referă la „feminismul alb” sau la femeile albe care pledează pentru ei înșiși și nu pentru femeile de culoare - și punând astfel sarcini asupra lor? Această dansatoare este o femeie asiatică - totuși la fel și alți dansatori care îi puneau tocuri pe spate.
Luminile au căzut în timp ce mergea pe mâini și pe genunchi, cu spatele imposibil de îndesat cu tocuri (am fost cu adevărat impresionat că nu au căzut toate). Deși acest final nu mi s-a părut clar, mi s-a părut, de asemenea, că există un sens puternic și perspicace acolo care mi-a scăpat. Având în vedere nuanța abilă din restul spectacolului, acest lucru ar avea cel mai mult sens. Deși simt că aș putea scrie o disertație despre această lucrare multifacetică, perspicace, creată și prezentată cu pricepere, voi încheia această recenzie cu recunoștință față de Teatrul de dans KAIROS și toți artiștii implicați. Vă mulțumim că ați dat lumină acestei probleme atemporale - cu curaj, pricepere și generozitate.
De Kathryn Boland din Dansul informează.
recomandat pentru tine
