Ballet este mort?

De Rebecca Martin.



Vorbește despre deschiderea unei cutii de viermi. Odată cu lansarea cărții lui Jennifer Homans Îngerii lui Apollo , care prezintă istoria baletului, a avut loc o serie de dezbateri despre epilogul inclus la sfârșitul cărții. În el, Homans sugerează că baletul este fie mort, fie pe moarte. O astfel de declarație va inspira cu siguranță un răspuns atât al iubitorilor de balet, al dansatorilor, cât și al studenților, indiferent dacă acest răspuns este un semn înțelept de acord sau o respingere furioasă.





„După ani de încercări de a mă convinge contrariul”, scrie doamna Homans, „acum sunt sigură că baletul moare”.

Esența argumentului lui Homans se concentrează pe ideea că piese precum cea a lui George Balanchine Distracția nr. 15 au devenit banale și nu mai au capacitatea de a mișca publicul. În timp ce multe opere de artă nu reușesc să supraviețuiască trecerea timpului, în cazul pieselor de balet clasic și balet modern care au durat zeci de ani și sunt încă interpretate și savurate până în prezent, nu piesa a devenit banală. Expunerea publicului la lucrări mai noi, o tehnică mai bună și o montare mai impresionantă a producțiilor a schimbat modul în care privim lucrările mai vechi. Coregraful, dansatorul, maestrul de balet și regizorul Robert Kelly spune: „a spune că baletul este pe moarte este același lucru cu a spune„ muzica clasică este pasă ”sau„ suprarealismul este mort ”. Este o formă de artă cu un patrimoniu minunat și o istorie bogată ”. Într-adevăr, la fel ca melodiile populare sau declarațiile de modă care au fost un mare succes la lansare și sunt acum o sursă de ridicol și sunt în mare parte uitate, multe piese de balet vor fi lăudate la premieră și la fel de repede respinse din memorie. Vor deveni datate și banale. Nu fiecare producție va deveni un clasic și nici fiecare spectacol nu va fi memorabil.

Baletul australian interpretează The Possibility Space de Nicolo Fonte. Fotografie Jeff Busby



Directorul artistic al baletului australian David McAllister consideră că baletul este viu și sănătos. „Există atât de multe companii din întreaga lume care creează o multitudine de lucrări noi care explorează tehnica baletului și o folosesc în moduri complet noi și inovatoare. Producțiile canonului de balet din secolul al XIX-lea sunt actualizate și prezentate folosind tehnologia și tehnicile din secolul al XXI-lea în moduri care injectează o viață nouă pentru publicul de astăzi. Tinerii dansatori se alătură încă orelor de balet din întreaga lume, iar dansul este văzut de un public în continuă creștere datorită unei lumi online de Facebook, bloguri și Youtube. ”


Marley de curățat podea

Tehnologia permite proiectelor mai mici să înceapă, să primească expunere și finanțare. În cazul în care odată baletul era văzut ca o activitate pentru clasa superioară și divertisment pentru elită, companiile de balet se adresează publicului mai tânăr și se mișcă odată cu vremurile. Cu toate acestea, costul ridicat al vizualizării unei companii majore de balet rămâne dincolo de acoperirea multor familii, studenți și adulți.

Homans neglijează să îndrepte evaluarea ei asupra vitalității baletului către producțiile moderne care sunt uimitoare de public, provocând dansatorii și ridicându-se în picioare pentru a repeta spectacole. Desigur, este prea devreme pentru a spune dacă multe, dacă există, dintre aceste piese vor deveni clasice și vor asigura longevitatea formei de artă. Ea respinge opera contemporană drept „exces gimnastic sau melodramatic”, sugerând că doar baletele tutu din vechime își au locul în climatul actual. O astfel de opinie seamănă foarte mult cu aceeași critică care a fost aruncată asupra rock and roll-ului timpuriu sau a poemului revoluționar al lui Allen Ginsberg. Urla. Arta revoluționară va avea întotdeauna criticii săi și va exista întotdeauna un element de ajustare pe măsură ce dansul avansează. Cel mai bine face asta decât să rămână stagnat și să dispară în uitare.



Cu siguranță, baletul este o formă de artă structurată și pot exista atât de multe variații înainte ca acesta să nu mai fie balet, în timp ce alte forme de dans, precum hip hop sau jazz, pot lua multe forme diferite și rămân fidele originilor sale. Aceasta nu este o critică, ci o observație. Structura baletului îi permite să rămână consecventă în timp și să nu cadă pradă dezintegrării. Acestea fiind spuse, pentru a menține un public nou și mai tânăr care este expus la o gamă atât de vastă de medii pentru divertismentul interesat de balet, este esențial ca arta să îmbrățișeze tehnologia și să utilizeze diferitele sale forme pentru a implica oamenii. Pe măsură ce atitudinile noastre se schimbă față de divertisment, la fel și divertismentul în sine trebuie să evolueze. McAllister vede baletul continuând să „evolueze și să se dezvolte pentru a reflecta mediul în care trăim. În fiecare generație există oameni care inovează și aduc idei noi și energie nouă baletului. Lucrările lor se adaugă canonului și capodoperele lor devin clasicele viitorului. Deși este important să menținem și să prezentăm marile opere ale trecutului care stau la baza baletului, este la fel de crucial să dezvoltăm și să creștem coregrafii de astăzi pentru a menține vitală și vie evoluția formei noastre de artă! ”

Julie Kent și Marcelo Gomes de la American Ballet Theatre din Romeo și Julieta. Foto Rosalie O'Connor.

Companiile de balet folosesc mai multă publicitate axată pe modă, cu culori strălucitoare și adoptă o tradiție clasică. Acum câțiva ani, San Francisco Ballet avea imaginea a doi dansatori care se sărutau în spatele unei mașini decapotabile pe afișele lor promoționale. Multe baruri și magazine au pus afișe, care pentru ei a fost primul afiș de dans pe care l-au afișat vreodată. Dansatorii baletului australian pot fi văzuți frecvent între paginile revistelor de modă, precum și sporturi și alte publicații. Ideea este de a-i prezenta pe dansatorii de balet ca fiind sexy, vitali și moderni, spre deosebire de imaginea depășită a lor ca fiind înfundați, unidimensionali și de modă veche.

În ciuda acestui fapt, baletul are încă limitări în acest climat modern. Așa cum scrie Sarah Keough de la Washington Post, „problemele de bani cântăresc baletul ca o piatră la gât: salarii, chirie, costume, pantofi, asigurări, muzicieni, depozitare și așa mai departe. Datoria este un factor important în toate programările conservatoare de acolo. Dar principala problemă este aceasta: baletul suferă de o gravă lipsă de încredere care devine din ce în ce mai paralizantă. ” Ea continuă să spună: „Nu este nimic mai plictisitor decât arta sigură și drăguță. Nimic nu se simte mai puțin relevant. Baletul trebuie să gândească mai mare. Da, banii sunt strânși, dar baletul de aici a intrat în necazuri aspirând la prestigiul operei, fără bugetele mai stabile ale omologilor săi europeni. Pentru a supraviețui în viitor, cred că compania medie de balet ar face mai bine să reducă dimensiunea, să vizeze emoția, să agite potul și să arunce baletele de lungime completă, care sunt mai bine lăsate la câteva operații mai mari și mai bogate ”.

Alexei Ratmansky repetând cu New York City Ballet. Fotografie Paul Kolnik

Totuși, nu toți amărăciunii pentru iubitorii de balet. Cu coregrafi precum Twyla Tharp, Christopher Wheeldon și Alexei Ratmansky printre alții, împingând granițele baletului și creând lucrări care îmbină abstractizarea cu liniile clasice, baletul rămâne o formă de artă vie, care respiră. O omisiune flagrantă din evaluarea lui Homans asupra baletului modern este coregraful american William Forsythe, care a transformat baletul în cap la sfârșitul secolului al XX-lea și i-a provocat pe dansatori din punct de vedere tehnic și public intelectual.

Oamenii ne spun că baletul este la fel de esențial și popular ca oricând. McAllister afirmă că publicul pentru Baletul australian crește în fiecare an, cu rate de abonament mai mari de la începutul anilor '90.

Landestheater Coburg Ballet Master și dansatorul internațional Griffin Doug sugerează că pulsul baletului este puternic în Europa. „Văd (baletul) ca fiind singurul„ high-art ”pe care se poate baza pentru a aduce case constante. Cu excepția muzicalelor binecunoscute, programele de dans sunt pariul sigur în mod normal pentru un intendent de teatru. Casele nu pot fi vândute în fiecare seară, dar spectacolul pentru spectacol într-un sezon, serile de dans vând mai multe locuri decât alte spectacole. Pentru McAllister, totuși, „nu este vorba doar de numere de locuri (ci) mai mult de a oferi membrilor audienței o experiență de balet întreagă”.

După cum subliniază Doug, baletul are avantajul important de a fi un limbaj universal care permite unei producții să traverseze globul fără barierele comunicării. Și după cum toți dansatorii pot atesta, o clasă de balet poate fi luată în orice limbă oriunde în lume, cu puține confuzii. Limbajul dansului este același oriunde te duci. „Dintre toate genurile de spectacole live, baletul este cel mai adaptabil la schimbare. Dansul se interpretează cu ușurință în decoruri de casă mari și mici, de asemenea în producții improvizate și repetați cu atenție. Dansul poate fi interpretat cu acompaniament simfonic complet, dar este acceptat și de publicul cu coloane sonore preînregistrate. Departe de a fi o formă de artă pe moarte sau o formă de artă de muzeu, dansul este viu și sănătos. Este cea mai adaptabilă dintre formele de artă cu cea mai largă bază de public. ”

Baletul în sine este fundamentul pentru toate celelalte forme de dans. Un dansator de jazz cu tehnică clasică este, de cele mai multe ori, cu mult superior unei persoane fără pregătire de balet și același lucru se poate spune și pentru teatrul muzical, cabaret, tap și chiar dansatorii de hip hop. Odată cu creșterea popularității pentru dans datorită multitudinii de emisiuni de televiziune, filme și clipuri de film care prezintă atracția largă, diversitatea și abilitățile artei, baletul nu merge nicăieri în grabă.

Fotografia de sus: Aurelie Dupont și Herve Moreau de la Baletul Operei din Paris. Drepturi de autor Anne Deniau

recomandat pentru tine

Posturi Populare