Molly Hess. Fotografie prin amabilitatea lui Hess. Creativitate - este cu siguranță un cuvânt încărcat, cu multe semnificații posibile. Multe sectoare din lumea modernă au început să-și înțeleagă partea esențială în inovație și împingând o misiune înainte - extinzându-se dincolo de artă. În artele în sine, forțele competiției negative și resursele limitate pot împiedica creativitatea deschisă, care este atât de necesară pentru a menține arta înaintând.
Dansul nu este cu siguranță imun, deoarece forma de artă este, probabil, cea mai puțin înțeleasă și susținută de o cultură modernă mai largă. Dansul crește și prosperă (sau nu reușește), în comunitățile și culturile din studiourile de dans, colectivele, spațiile de spectacol și altele asemenea.
Cum creăm și menținem culturi creative? De ce este important acest lucru în primul rând? Pentru a testa aceste întrebări,Dance Informaa vorbit cu Peter DiMuro (director executiv la The Dance Complex, Cambridge, MA și coregraf rezident la Muzeul Isabella Stewart Gardner, Boston, MA), Molly Hess (director de programare și educație la Green Street Studios, Cambridge, MA) și Julia Amaral (artist didactic la Center Stage Dance Studio, Plymouth, MA).
Peter DiMuro.
Pentru a ajuta ceva să crească și să prospere, ajută la o înțelegere nuanțată a ceea ce este. Și ce dacă este creativitate? DiMuro crede că este ceva care trebuie iluminat, mai degrabă decât predat. Ceea ce este cel mai interesant pentru el este creativitatea în jurul depășirii constrângerilor. „Când în viață nu ai constrângeri?” întreabă el retoric.
câți ani are willa fitzgerald
Hess vede creativitatea ca pe un proces legat de „curiozitate și joacă…. De multe ori începe [ing] cu un„ ce dacă ”și apoi luând gândul / întrebarea / imaginea, oricare ar fi acesta și găsind o modalitate de a o manifesta în ceva în lumea, prin orice mediu ”. Mai precis în privința dansului, pentru Amaral, creativitatea este „capacitatea de a lua gânduri, idei și sentimente abstracte / subconștiente și de a le transforma în mișcări tangibile”.
DiMuro crede că o cultură creativă este deschisă rezolvării creative a problemelor. De exemplu, el face referire la ceea ce s-a întâmplat în lumea dansului din 2008 - multe companii au intrat și a „forțat [lumea dansului] să facă noi modele”. Creativitatea vine, de asemenea, prin menținerea acordului la nuanțele povestirii noastre - ce, cui și când. „Ar trebui să privim totul ca pe un ecosistem”, susține DiMuro.
În acest ecosistem, susținem și apreciem contribuțiile unei varietăți de creatori și nu numai a celor pe care îi „punem în mod tradițional pe soclu”, explică el. DiMuro face referire la cercetări care demonstrează că aplicarea resurselor de artă alocate organizațiilor locale și artiștilor individuali poate contribui la bunăstarea ecosistemului artistic mai larg. El citează Consiliul cultural de masă ca organizație care face asta bine.
Molly Hess. Fotografie prin amabilitatea lui Hess.
Hess crede că oamenii „se prezintă” cât mai mult posibil, „cu o minte deschisă și o curiozitate sinceră”, ajută la promovarea culturilor creative. Ea explică cum, atunci când vizionează spectacole sau ia cursuri, dorește ca artiștii „să se descurce bine și încerc să înțeleg de unde vin și încearcă să meargă”. Ea adaugă cum „asta nu înseamnă că trebuie să-mi placă, dar voi putea vedea ce funcționează în interiorul ei”. Acest lucru se aliniază punctului DiMuro despre crearea spațiului pentru o diversitate de creatori, creații și moduri de a crea.
Hess continuă cu modul în care admiră și respectă culturile creative cu care s-a angajat în care „nu era de așteptat ca progresul meu să fie liniar sau ca munca mea artistică să arate la fel ca și alte persoane ... [unde] apreciază rigoarea și joacă aproape în mod egal și unde suntem cu toții acolo pentru a oferi ceea ce putem oferi și a primi orice cunoștințe putem. ”
laurel lawson
În acest spirit primitor, ea citează programe care susțin creșterea culturii creative, deoarece „invită pe oricine să arate lucrări și încurajează publicul să abordeze vizionarea ei cu o minte deschisă”. Sunt, de asemenea, „gratuite sau foarte ieftine, deci sunt, de asemenea, un loc bun pentru a lua o oră, pentru a risca și pentru a vedea ceva ce altfel s-ar putea să nu vedeți”, spune ea.
Amaral crede că „dansul în primul rând pentru noi înșine , și pentru dragostea pură a acestuia ”contribuie la culturi de dans creative și sănătoase. A lucra din greu la tehnică, dar a nu avea acel „sfârșit-a-fi-toți” face parte din acel spirit de a-l face pentru iubirea de ea. Descriind studioul în care a crescut dansând, despre care crede că are acea atitudine, ea împărtășește modul în care „am fost învățați că dansul [este] despre pasiune și exprimare de sine și poate fi folosit ca o ieșire pentru orice în viață. Rutinele noastre de concurs ar fi putut fi ușor puse în spectacole de dans concert, pentru că nu am încercat niciodată să ne asimilăm altor studiouri. Creativitatea și conceptele au fost întotdeauna pe primul loc. ”
Având în vedere toate acestea, ce nu este la fel de sănătos pentru culturile creative? Hess consideră că faptul de a fi secret, de la alți artiști și de a se concentra asupra diferențelor asupra terenurilor comune nu este bun pentru culturile creative. Subliniază DiMuro Climatul socio-politic actual al Americii ca sufocant la creativitate. Amaral crede că „îndoiala de sine și conștiința de sine” înăbușă enorm creativitatea.
Julia Amaral. Fotografie de Emily Santangelo.
„În momentul în care te îndoiești de munca ta sau ești îngrijorat de modul în care va fi percepută, creativitatea ia loc pe spate, [pentru că] vei începe instinctiv să coregrafi lucruri sigure pe care știi că oamenii le acceptă deja”, afirmă ea, adăugând că poți Nu te „pune acolo dacă te îndoiești de munca ta”. Având în vedere acest lucru, învățarea artiștilor, a administratorilor și a altor persoane aflate în poziții de putere în comunitățile creative ar trebui să facă tot ce le stă în putință pentru a construi încrederea artiștilor în creștere și simțul sănătos al sinelui, mai degrabă decât să spargă aceste lucruri în interiorul lor în vreun fel.
Amaral crede că toate acestea sunt adevărate în toate formele de artă și nu doar în dans. „Indiferent de ce tip de artă sau mediu, pentru mine, creativitatea înseamnă într-adevăr un puternic simț al sinelui. Când cu adevărat nu-ți pasă ce gândesc ceilalți, atunci poți fi cel mai autentic și creativ sine. Și este un sentiment extraordinar! ' afirmă ea.
cursuri de balet din Nashville
Cu toate acestea, Hess crede că este ceva mai provocator pentru artiștii de dans.Fiind implicată și în lumea muzicii rock, ea poate spune că dansatorii și coregrafii au nevoie de spațiu pentru repetiții și spectacole de care alți artiști nu au neapărat nevoie. În plus, artiștii de dans nu pot cânta doar într-un bar așa cum pot face muzicienii rock. În linii mari, artiștii de dans au o gamă ceva mai limitată de contexte de performanță ușor, rentabile.
Este de necontestat faptul că ecosistemul de dans are provocări apreciabile. Abordările considerate inventive și deschise la minte - precum și cultivarea vocii creative a actorilor individuali din cadrul culturilor separate ale ecosistemului de dans - pot menține creativitatea în cadrul acelor culturi și a ecosistemului general, în viață. În continuare dansăm!
De Kathryn Boland din Dansul informează.
